Agenda

avril 2012

dim 1 > Concert avec l'ensemble Contraste.
dim 8 et lun 9 > Stabat Mater de Boccherini au Festival de Montfaucon.

mai 2012

sam 12 - mer 16 L'Opéra de la Lune de Brice Pauset (création) à l'Opéra de Dijon.
ven 25 visite spectacle "Rousseau à Besançon".
dim 27 Il pleut, bergère au Centre National de la Danse.

juin 2012

sam 2 Krönungsmesse de Mozart au TCE avec l'Ensemble Aedes.
jeu 7 Concert avec l'Ensemble Aedes à Paris.
sam 23 et dim 24 Concert "Passe ton Bach d'abord" avec l'ensemble Contraste.

juillet 2012

dim 1et lun 2 Fables de La Fontaine au Festival Orgues en Ville de Besançon.
mar 3, 10, 17, 24, 31 Une voix pour faire résonner les pierres avec l'Office du tourisme de Besançon.

Un Office des Ténèbres

Les offices des ténèbres de la Semaine Sainte ont constitué, de la Renaissance à la Révolution, l’un des temps les plus fascinants de l’année liturgique en France. L’office nocturne était l’occasion d’entendre les Lamentations du prophète Jérémie, dont la mise en musique conservait l’intonation de chaque verset par la lettre hébraïque acrostiche. Au cours de l’office, les quinze cierges d’un chandelier représentant les douze apôtres et les trois Marie s’éteignaient un à un, pour symboliser le Christ abandonné dans son agonie.

Ce projet cherche à retrouver l’atmosphère très particulière de ces nocturnes en laissant retomber les ténèbres sur l’église au fur et à mesure des Trois Leçons de Ténèbres de François Couperin, écrites pour l’Abbaye de Longchamp en 1714. Deux voix de ténor et la basse continue y déclament le grand poème lyrique de la destruction de Jérusalem, alternant avec les répons de la liturgie romaine en plain-chant. Le concert ayant lieu à l’heure du crépuscule, le passage de la lumière à l’obscurité se fait naturellement dans la contemplation de cette musique suspendue à l’éternité.

> Télécharger la plaquette du programme en version imprimable

Le Projet Hölderlin

Engagé dès le début de ses études, le travail d’Anthony Lo Papa sur le répertoire du Lied, et plus particulièrement Schubert et Schumann, a vu en 1999 la constitution de l’Ensemble Hölderlin, formation de musique de chambre à géométrie variable réunissant chanteurs et instrumentistes autour d’une même idée : promouvoir la formidable vitalité des apports de la poésie allemande dans la musique.

En 2009, l’Ensemble Hölderlin donne tout naturellement naissance au Projet Hölderlin, fruit d’une double réflexion : s’il est vrai que le récital dans sa forme traditionnelle n’offre souvent à un public non germaniste que la seule musique pour comprendre les œuvres, la tentation de les illustrer par l’image, la vidéo, la danse ou d’autres formes artistiques remet en question la valeur intrinsèque du répertoire, comme s’il ne se suffisait pas à lui-même et avait besoin d’être enrichi pour être convaincant.

La démarche du Projet Hölderlin est à la croisée de ces chemins, conservant le cadre privilégié du Liederabend classique, mais jouant sur la construction et la présentation du programme pour guider l’auditeur à travers la poésie, sans laquelle la musique n’existerait pas, et qui à ce titre mérite d’être apportée de manière plus immédiate au public.

Ni spectacle ni pédagogie, mais en exploitant les possibilités ouvertes par ces deux sphères, il s’agit de rendre les textes signifiants, afin que l’auditeur ne se trouve pas en face d’un concert de musique vocale avec des paroles mais d’un parcours poétique mis en musique ; autrement dit, ne pas chercher à habiller les pièces mais au contraire à se recentrer sur l’essence de cette musique, en rendant le texte accessible de toutes les manières possibles.

Le Cortège d'Orphée

Le Cortège d’Orphée est un collectif d’artistes regroupés autour d’une association. Celle-ci a pour objet d’accompagner l’activité du collectif par tous les moyens pouvant être requis : organisation de manifestations, activités culturelles et pédagogiques, diffusion, promotion, mise à disposition de matériel, locaux, réseaux, etc.

Le collectif est orienté dans trois directions esthétiques principales :
1° la contextualisation des objets artistiques envisagés ;
2° la mise en valeur du patrimoine ;
3° le recentrage sur le programme par le biais de l’anonymat.

1° la contextualisation

Concrètement, il s’agit de remettre en question les modes courants de présentation des œuvres au public, notamment dans le cadre du spectacle. La dictature du concert en particulier, dans sa forme habituelle, s’impose trop souvent comme une épreuve et pour le public, et pour les artistes, et surtout pour l’œuvre elle-même, fréquemment conçue pour d’autres circonstances porteuses de sens. En réfléchissant à cette notion de contexte représentatif de l’œuvre, le collectif s’efforce de renouveler en rapport avec l’œuvre elle-même – et par conséquent d’une manière spécifique à chaque œuvre – ses modes de présentation en recourant à toutes les modalités imaginables – salon, conférence, lecture, déambulation, exposition animée, banquet, bal, etc.

2° la mise en valeur du patrimoine

Dans ce cadre, une large part de la réflexion est consacrée au choix judicieux du patrimoine tant architectural que musical ou littéraire ; inscrire dans un lieu caractérisé par l’histoire ou l’esthétique telle œuvre ainsi éclairée, exploiter le fonds d’une bibliothèque pour programmer des œuvres en relation avec le bâtiment, et éviter autant que possible la salle de spectacle neutre permet ainsi un enrichissement mutuel du lieu par le spectacle et de l’œuvre par le cadre. Le public découvre en même temps des endroits qui méritent d’être mis en valeur, et des œuvres rares ou non mais dans un éclairage particulier, évitant le cadre abstrait du théâtre.

3° le recentrage sur le programme et l’anonymat

Loin de l’actuelle tendance à la labellisation, le collectif s’attache à développer non pas un style qui le rapprocherait d’un ensemble dont le nom est gage de qualité ou de caractéristiques esthétiques, mais des projets à chaque fois centrés sur l’œuvre et ses enjeux. Plutôt qu’un son et des interprètes estampillés « Cortège d’Orphée », il cherche à présenter des spectacles différents avec des interprètes variables au gré des programmes, mais qui partagent cette même conception du spectacle. L’accent est mis – jusque dans les programmes écrits et la communication – sur le projet, l’œuvre et ses enjeux, et les interprètes se produisent dans un contexte aussi anonyme que possible.

Activités pédagogiques

Anthony Lo Papa est titulaire du Certificat d’Aptitude aux fonctions de professeur des écoles de musique. Il collabore ou a collaboré avec divers conservatoires de musique et structures d’enseignement dans le cadre de projets pédagogiques variés, tels le CRR de Paris, le CRR d’Aubervilliers-La Courneuve ou le Lycée Claude Monet à Paris. Spécialisé dans le Lied et la mélodie française, il affectionne particulièrement le travail littéraire et musical sur ces genres.

Il est l’auteur d’un mémoire de pédagogie de la musique intitulé L’Art vocal après Parsifal, perspectives et enjeux pour l’apprenti chanteur, qui détaille un certain nombre de caractéristiques de son approche de la diction lyrique au service du style musical, à travers l’exemple de Mahler et Debussy.

Biographie

Anthony Lo Papa étudie au CNR de Besançon auprès d’Armande Olivier, puis à Montreuil auprès de Frantz Pétri et Françoise Pétro, avant d’entrer en 2003 au CNSM de Paris dans la classe de Mireille Alcantara, où il suit les masterclasses de Jeanine Reiss et Margreet Honig, et dont il sort diplômé en 2007.



Son répertoire va de la musique ancienne à la musique contemporaine. En 2005 il est Dom Pedro dans L’Europe galante de Campra à Ambronay sous la direction de William Christie ; en 2006 Monsieur Vogelsang dans Der Schauspieldirektor sous la direction de Laurence Équilbey, Monostatos dans la Flûte enchantée dirigée par Olivier Holt, et en 2007 Oronte dans Alcina de Haendel sous la direction de Nicolau de Figueiredo et le Prologue dans The Turn of the screw de Britten, puis il crée L’Enfant aux cheveux bleus de Michel Zbar (rôle-titre) et Tres para una d’Augustin d’Assignies et Louis de Mieulle à Tours (Hernani). Il a été sélectionné par la Fondation Royaumont pour participer à Cadmus et Hermione avec le Poème harmonique et Vincent Dumestre (mise en scène de Benjamin Lazar), et a participé au Malade imaginaire à Montréal avec la Comédie-Française.



Il affectionne particulièrement le Lied et la mélodie, donne les grands cycles de Lieder au festival des Chants de la Dore depuis 2008, se produit régulièrement en récital, et collabore avec plusieurs ensembles vocaux, dont Aedes, Sequenza 9.3 et Contraste.



Diplômé du CNSMDP en pédagogie et titulaire du CA (Certificat d'Aptitude), il mène une intense activité de pédagogue du chant, en particulier dans le répertoire du Lied. Il est l'auteur d'un mémoire de recherche sur la diction lyrique chez Mahler et Debussy.



Anthony Lo Papa est fondateur et directeur artistique du collectif Le Cortège d'Orphée.

 anthonylopapa@free.fr

 +33 6 16 50 61 06